Film-Rezensionen: Hidden Figures - Unerkannte Heldinnen

Hidden Figures – Unerkannte Heldinnen

Das amerikanische Kino liebt Helden und ihre Geschichten. Wie selbstverständlich denkt man dabei an gestandene Männer, die gen Westen reiten, Verbrecher jagen oder in den Weltraum fliegen, um fremde Galaxien zu erforschen, neues Leben und neue Zivilisationen. Dass zu Letzterem auch eine Reihe unbekannter Heldinnen einen wichtigen Beitrag geleistet haben, dürfte nur den wirklich eingeweihten Kennern des amerikanischen Weltraumprogramms bekannt sein. Dieser Film erzählt ihre Geschichte.

Die 60er Jahre des vorigen Jahrhunderts waren das Jahrzehnt des „Space Race“ – Russen und Amerikaner arbeiteten fieberhaft daran, einen Menschen auf den Mond zu befördern. Es war aber auch das Jahrzehnts der Rassenunruhen in den USA, der fortschreitenden Emanzipation der Frau und allgemein der Beginn eines weitreichenden gesellschaftlichen Wandels.

Unter Präsident Lyndon B. Johnson wurde zwischen 1964 und 1968 die Rassentrennung zwar offiziell aufgehoben und der afroamerikanischen Bevölkerung die vollständige verfassungsrechtliche Gleichberechtigung zugesprochen. Ein gleichberechtigtes Leben war aber noch lange nicht selbstverständlich, jeder einzelne Schritt war ein mühsamer Kampf, um Teilhabe, um Anerkennung, um Selbstverständlichkeiten, wie dieselbe Toilette benutzen zu dürfen. Wer es also geschafft hat, in dieser Zeit mit afroamerikanischen Wurzeln und als Frau Karriere im Raumfahrtprogramm zu machen, der musste schon Außergewöhnliches leisten, um überhaupt eine Chance zu haben.

Und genau dies gelingt den Protagonistinnen des Films „Hidden Figures“, den drei mathematisch und naturwissenschaftlich hoch begabten Frauen Katherine Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) und Mary Jackson (Janelle Monáe), als sie einen entscheidenden Teil dazu beitragen, dass John Glenn als erster US-Astronaut die Erde umrundet – und heil zurückgebracht wird.

Kurz vor Einsatz des ersten IBM Computers bewältigen Scharen von Mathematikern und eben auch Mathematikerinnen unendlich lange Rechenoperationen mit Stift und Papier. Dabei beweist Katherine Johnson ein mathematisches Genie, das es erst zu entdecken gilt, denn selbstverständlich begegnen ihr die männlichen Kollegen und Konkurrenten – allen voran der von Jim Parsons dargestellte Paul Stafford – mit abgrundtiefer Skepsis. Erst als sie ihren Chef Al Harrison (Kevin Kostner) überzeugt hat, vertraut man ihr so sehr, dass der Astronaut John Glenn erst nach ihren Berechnung bereit ist („Get the girl to check the numbers“), in den Orbit aufzusteigen, und das, nachdem das erste IBM Ungetüm bereits seinen Dienst aufgenommen hat.

Dorothy Vaughan, die bereits seit langem Führungsaufgaben wahrnimmt, allerdings ohne den dazugehörigen Status und ohne das entsprechende Gehalt, gelingt es, sich als erste Frau mit den neuen Aufgaben, die durch die Inbetriebnahme von Computern entstehen, vertraut zu machen und die drohende Arbeitslosigkeit ihrer rechnenden Kolleginnen durch Computerschulungen abzuwenden, während Mary Jackson ein Hindernis nach dem anderen ausräumt, bis sie es ebenfalls schafft und als Ingenieurin anerkannt wird.

„Hidden Figures“ – der Titel spielt auf die im Verborgenen agierenden Heldinnen an, aber auch auf die komplizierten Rechenoperationen, die von ihnen bewältigt wurden – setzt allen Menschen ein Denkmal, die jedem Widerstand zum Trotz ihre Wünsche und Ziele verfolgen, unabhängig von Geschlecht oder Hautfarbe. Dabei bleibt der Film unterhaltsam und schüttelt jegliche Schwere ab, die dem Thema innewohnt. Leicht und mit einer Portion (Galgen)Humor durcheilt er so eine Dekade, die für Vieles den Startschuss gegeben hat.
Eine Menge ist seither erreicht worden, die heute absurd anmutenden Auswüchse der Rassen- und Frauendiskriminierung sind in vielen Bereichen überwunden, aber ist die Szene, in der Katherine Johnson an ihrem ersten Arbeitstag als neue Putzfrau angesehen wird und von den Kollegen zunächst einmal einen nicht geleerten Papierkorb in die Hand gedrückt bekommt, heute wirklich undenkbar? Es bleibt also genug zu tun, so dass man sich noch nicht zurücklehnen kann –  außer in seinem Kinosessel, um sich nach dem Film immer wieder sagen zu können: Genie kennt keine Herkunft. Stärke kein Geschlecht. Mut keine Grenzen.

Regie: Theodore Melfi

Drehbuch: Allison Schroeder + Theodore Melfi, b/a Buch von Margot Lee Shetterly

Kamera: Mandy Walker

Musik: Hans Zimmer, Pharrell Williams, Benjamin Wallfisch

Darsteller:

Taraji P. Henson: Katherine Johnson

Octavia Spencer: Dorothy Vaughan
Janelle Monáe: Mary Jackson

Kevin Kostner: Al Harrison

Jim Johnson: Mahershala Ali

Jim Parsons: Paul Stafford

Kirsten Dunst: Vivian Mitchell

Glen Powell: John Glenn

Deutscher Filmstart: 02.02.2017

Zum Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=xQl52QnaT18

Film-Rezensionen: Deepwater Horizon

Deepwater Horizon

Seit dem Turmbau zu Babel enden von Menschen geschaffene Projekte immer wieder in einem Desaster. „Deepwater Horizon“ ist ein weiteres Beispiel hierfür.

„Deepwater Horizon“ war der Name einer Explorationsplattform der Schweizer Firma Transocean, auf der im Jahr 2010 im Auftrag des britischen Konzerns BP 70 km vor der Küste im Golf von Mexiko die Förderung von Öl aus einem riesigen Ölfeld unter dem Meeresboden vorbereitet werden soll. Das Projekt endete in einer Katastrophe, als die Anlage den Betreibern bei einer Bohrungstiefe von 1500 Metern buchstäblich um die Ohren flog, für etliche Tote sorgte und den Golf sowie die Küsten von Louisiana, Florida, Alabama und Mississippi mit auslaufendem Öl verseuchte. Über drei Monate lang schossen täglich geschätzt 40.000 Barrel Öl aus dem Bohrloch, bis dieses endlich geschlossen werden konnte. Die Folgen belasteten die betroffene Region auf Jahre hinaus.

Diese Tragödie ist Vorlage für den gleichnamigen Film, der sich allerdings nicht mit der Ölpest und deren Folgen auseinandersetzt, sondern die Geschichte der tapferen Männer und Frauen erzählt, die im Laufe der Ereignisse zu Helden werden.

Zur Einführung werden wir in die raue Welt auf einer Bohrplattform eingeführt, wo die Arbeit hart und der Umgangston kernig ist, wie überall dort, wo gestandene Männer in eingespielten Teams – sei es in Armee, Feuerwehr oder Polizei – zusammenarbeiten, und wo Gefahr ein ständiger Begleiter ist, der man nur trotzen kann, wenn man zusammenhält. Die einzige Frau zur Zeit des Unglücks ist die Technikerin Andrea Fleytas, die die schwimmende Plattform auf Kurs hält.

Die Mannschaften arbeiten wochenweise, zu Beginn werden wir Zeugen eines Schichtwechsels, bei dem auch der Techniker Mike Williams (Mark Wahlberg) und der bärbeißige, bei allen beliebte und geachtete Offshore Installation Manager Jimmy Harrell (Kurt Russell), genannt Mr. Jimmy, an Bord gehen. Beide beobachten, wie die Mannschaft der Firma Schlumberger, die letzte entscheidende Tests vornehmen sollte, die Plattform verlässt, wie sich später herausstellt, ohne befriedigende Ergebnisse.

Ebenfalls an Bord ist ein Vertreter von BP, Donald Vidrine (John Malkovich), der den Abschluss der Tests forcieren soll, da sich das Projekt bereits sechs Wochen hinter dem Zeitplan befindet.

Während Mr. Jimmy und seine Techniker erhebliche Zweifel haben, dass alle Probleme behoben sind und der Weg zur ersten Bohrung frei ist, setzt sich Vidrine erwartungsgemäß darüber hinweg. Er interpretiert einen nicht befriedigend verlaufenen Drucktest anders als die Techniker, da diese aber auch keine bessere Erklärung für die erhaltenen Ergebnisse haben, fügen sie sich schließlich den Anweisungen Vidrines und beginnen mit einer ersten Bohrung.

Einmal in Gang gesetzt ist das Verhängnis dann nicht mehr aufzuhalten. Wie zuvor in den Tests steigt der unterseeische Druck sofort an und der Technikerin Freytas wird zunächst untersagt, das Bohrloch über ein Ventilsystem am Meeresgrund wieder zu schließen. Als sie den Mut findet, entgegen ihrer Anweisung zu handeln, ist es bereits zu spät, der massive Druck entwickelt sich zu einem  Blowout, bei dem Bohrschlamm, Öl und Gas in einer gewaltigen Fontäne nach oben geschleudert werden. Es kommt zu Explosionen und ein Feuersturm fegt über die Bohrplattform hinweg. In bombastischen Bildern und ebensolchen Effekten werden diese Explosion der Plattform und das anschließende Höllenfeuer so realistisch in Szene gesetzt, dass der Zuschauer in seinem Kinosessel stellenweise das Gefühl hat, mitten im Geschehen dabei zu sein – eine Erfahrung, die man vielleicht nicht unbedingt machen muss.

Man fühlt die Hitze, riecht den Gestank von verbrennendem Öl, leidet mit den Akteuren – allen voran dem hervorragenden Kurt Russell. Die Nahaufnahmen erlauben kein Entrinnen und es ist angesichts des Infernos ein Wunder, dass es letztlich überhaupt Überlebende gibt.

Und dann ist der Film plötzlich zu Ende.

Die Erwartung, dass zum Schluss eine Aufarbeitung stattfindet, wie es zu dieser Katastrophe kommen konnte und – wichtiger noch – wer dafür verantwortlich ist, wird enttäuscht, und das ist das große Manko dieses durchaus mitreißenden Films. Im Abspann wird an die tapferen elf Männer erinnert, die ihr Leben verloren haben und lediglich in einem Satz wird auf die entstandene gigantische Umweltkatastrophe hingewiesen.

Zurück bleibt das schale Gefühl, dass die richtigen Menschen, die in einer schrecklichen Situation über sich hinausgewachsen sind, gesiegt haben, die falschen aber wieder einmal davongekommen sind. John Malkovics Figur dient lediglich dazu, die zu erzählende Geschichte in Gang zu setzten, eine Aufgabe, die er gewohnt gekonnt meistert, danach spielt er keine Rolle mehr.

Wir haben tapferen Helden bei der Arbeit zugesehen, aber wer sich auf diese einfache Geschichte einlässt, wird von dem exzellent in Szene gesetzten Spektakel geblendet und verkennt die fatale Botschaft des Films: Solange es solche Helden gibt, die für die Fehler anderer ihren Kopf hinhalten und sogar sterben, können wir getrost jeden Irrsinn in die Tat umsetzen und solange werden wir immer neue Türme bauen, die uns am Ende über dem Kopf zusammenbrechen.

Regie: Peter Berg

Drehbuch: Matthew Michael Carnahan, Matthew Sand

Darsteller: Mark Wahlberg, Kurt Russell, John Malkovich, Gina Rodriguez, Dylan O’Brian, Kate Hudson

Dauer: 107 Minuten

FSK: 12

Film-Rezensionen: Florence Foster Jenkins

Florence Foster Jenkins

Der Film erzählt die (wahre) Geschichte der reichen Erbin Florence Foster Jenkins (hinreißend dargestellt von Meryl Streep), die es sich Im New York der 40ger Jahre zur Aufgabe gemacht hat, unter Einsatz ihres nicht unbeträchtlichen Vermögens und einer überwältigenden Leidenschaft ihren Mitbürgern klassische Musik näher zu bringen. Unterstützt wird sie dabei von ihrem britischen Ehemann, St. Clair Bayfield (tadellos: Hugh Grant), einem alternden Schauspieler, dem der entscheidende Erfolg auf der Theaterbühne verwehrt geblieben ist. Zusammen tritt das Paar im von beiden gegründeten Verdi-Club vor einem ausgewählten Publikum der New Yorker Society auf. In legendären Tableaux vivants deklamiert St. Clair unsterbliche Verse, während Florence in schrillen Kostümen für deren Untermalung sorgt.

Florences eigentliche Leidenschaft gilt jedoch der Oper, und ein Konzert in der Carnegie Hall weckt in ihr das Verlangen, Gesangsunterricht zu nehmen, ein Wunsch, den ihr St. Clair sogleich erfüllt. Die Aufgabe übernimmt – gegen ein üppiges Honorar – ein renommierter Musiker. Außerdem bekommt der mittellose junge Pianist Cosmé McMoon (herrlich verhuscht: Simon Helberg) die Chance auf ein fürstliches Gehalt, um Madame Florence musikalisch zu begleiten. McMoon kann sein Glück kaum fassen und sieht aufgeregt seiner ersten Stunde mit ihr entgegen. Die Spannung weicht jedoch einem ungläubigen Entsetzen, als Florence ihre Stimme erhebt, denn die Gute ist leider völlig unmusikalisch. Ohne Gefühl für Intonation und Rhythmus verfehlt sie haarscharf jeden Ton, was aber weder Gesangslehrer noch Gatte zu bemerken scheinen, vielmehr wird sie von beiden freundlich ermutigt.

Florence wagt sich an die schwierigsten Arien und nichts kann sie davon abhalten, diese auch in öffentlichen Auftritten zu Gehör zu bringen. St. Clair sorgt allerdings stets peinlich genau dafür, dass wirklich nur ein ausgewähltes Publikum zugelassen ist, so dass Florence nie erfährt, wie untalentiert sie in Wirklichkeit ist. Als sie sich eines Tages in den Kopf setzt, in der Carnegie Hall aufzutreten, wird die Sache brenzlig, denn alles andere als eine unglaubliche Blamage wäre eine Überraschung. Alle Versuche McMoons, sich aus dieser auch für ihn peinlichen Situation herauszuwinden scheitern, letztlich auch daran, dass sein Engagement einfach zu lukrativ ist und er auf andere Art wahrscheinlich nie die Chance erhalten wird, einmal in der Carnegie Hall zu spielen.

Auch St. Clair gelingt es nicht, Florences Auftritt zu verhindern, und diesmal liegt es nicht in seiner Macht, auf die Zusammensetzung des Publikums Einfluss zu nehmen, insbesondere einen besonders kritischen Journalisten fernzuhalten, der die Gelegenheit nutzt, endlich einmal die Wahrheit über Florences Sangeskunst zu schreiben. St. Clair und McMoon setzen alles daran, zumindest zu verhindern, dass Florence seine Rezension zu lesen bekommt, aber auch das misslingt…

Einen weiteren tragischen Aspekt erhält die Geschichte, wenn der Zuschauer erfährt, dass Florence schwer krank ist. Seit jungen Jahren leidet sie an Syphilis, die damalige Behandlung dieser Krankheit mit Quecksilber hat zwar ihr Leben gerettet, aber ihre Gesundheit dauerhaft ruiniert, wovon außer ihrem Mann nur wenige Menschen wissen.

Aufgrund der Krankheit lebt das Paar absolut enthaltsam, weswegen St. Clair eine Beziehung zu einer anderen Frau unterhält, was auch von Florence toleriert wird. Mit seiner „Zweitfrau“ lebt er zusammen, wann immer er das Gefühl hat, dass es Florence gut geht und sie aufs Beste versorgt ist, dafür tut St. Clair alles, aufopfernd, unerschütterlich und mit einer rührenden Zärtlichkeit. Es ist ein Arrangement der besonderen Art, alle Beteiligten scheinen damit glücklich zu sein, wer wollte ihnen dieses Glück streitig machen? Muss man in einem solchen Fall nicht von wahrer Liebe sprechen?

Der Film orientiert sich am Leben der echten Florence Foster Jenkins, und es gelingt Stephen Frears wie gewohnt meisterhaft, die anrührende Geschichte ohne Pathos und Kitsch in Szene zu setzen. Er lässt das New York der 40ger Jahre des vorigen Jahrhunderts lebendig werden, Kulisse und Kostüme schwelgen in nostalgischen Bildern, aufgeschreckt nur durch die schrillen Töne der Hauptperson.

Der Zuschauer ist zunächst hin- und hergerissen, kann es richtig sein, eine offensichtliche Wahrheit nicht auszusprechen und jemanden in einer Fantasiewelt leben zu lassen, auch wenn stets die Gefahr besteht, dass es zu einem bösen Erwachen kommt? Ist die Lüge ein legitimes Mittel um einen Zweck zu erreichen, sei er noch so ehrenvoll? Aber dem von Hugh Grant mit überzeugender Hingabe dargestellten St. Clair stellen sich diese Frage nicht, er handelt aus Liebe, und durch ihn bekommt das Leben seiner Frau eine besondere Würde, ein Leben, das angesichts ihres Schicksals so anders hätte verlaufen können, verhärmt und verbittert, in Schwermut und Melancholie. Stattdessen erlebt Florence viele wunderschöne Momente, die wahrscheinlich nur Meryl Streep mit einer gleichermaßen kindlichen wie überschwänglichen Freude vermitteln kann.

Florence Foster Jenkins lebt ihren Traum und als ihr Ende bevorsteht, zieht sie ihr Fazit: „Die Leute können vielleicht behaupten, dass ich nicht singen kann, aber niemand kann behaupten, dass ich nicht gesungen hätte.“

Besser kann man nicht von der Bühne abgehen…

Regie: Stephen Frears

Drehbuch: Nicholas Martin

Kamera: Danny Cohen

Musik: Alexandre Desplat

Darsteller: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Rebecca Ferguson, Agnes Stark

Dauer: 110 Minuten

Start: 24. November 2016

Film-Rezensionen: Saint Amour - Drei gute Jahrgänge (Saint Amour)

Saint Amour

Wenn man wie Bauer Bruno (Benoît Poelvoorde) im ländlichen Frankreich lebt, ist eine Fahrt nach Paris ein Ereignis, auch wenn es nur in die riesige Halle einer Landwirtschaftsmesse außerhalb der Stadt geht. Er und sein Vater Jean (Gérard Depardieu) stellen dort aus, und wie jedes Jahr hofft Jean auf den ersten Preis für seinen wahrhaft imposanten Prachtbullen.

Der eigentliche Höhepunkt der Veranstaltung ist für Bruno und seine Kumpel allerdings eine rituelle Weinreise, hierfür müssen sie die Hallen nicht verlassen, es genügt ein Zug vorbei an den verschiedenen Ständen der ebenfalls zur Messe angereisten Weinerzeuger. Es geht auch nicht um die Verkostung edler Tropfen, sondern um ein möglichst zügiges Abfüllen, nicht Genuss steht im Vordergrund, sondern der Rausch, der Bruno helfen soll, sein tristes Dasein einigermaßen erträglich zu machen.

Natürlich funktioniert das nicht, dem Rausch folgt stets die Ernüchterung – wer wüsste es besser als Bruno selbst, der diese Reise schon unzählige Male unternommen hat. Er kennt die zehn Etappen des Alkohols – er wird sie später noch genau erläutern – und am Ende, nach dem Exzess, steht auf jeden Fall immer die Scham.

Bruno hat zwei Probleme: einen übermächtigen Vater und die Frauen, bei denen er trotz aller Bemühungen keine Chancen hat. Der Vater (in der wuchtigen Gestalt von Gérard Depardieu) ist ein imposanter Koloss, Bruno wagt es nicht, ihm zu gestehen, dass er Hof und Landwirtschaft gegen einen Job in einem Baumarkt eintauschen möchte. Den Frauen nähert sich Bruno nüchtern nur sehr linkisch, sturzbetrunken stößt er sie unweigerlich ab.

Jean erkennt durchaus, dass Bruno unglücklich ist, auch wenn dieser nichts davon bemerkt, da sich Vater und Sohn über die Jahre voneinander entfremdet haben. Um sich ihm wieder anzunähern, beschließt Jean, mit seinem Sohn während der Messe eine reale Weinreise zu machen, Voraussetzung ist, dass sie zur Prämierung des besten Zuchtbullen am Ende der Woche zurück sind. Man heuert einen jungen Taxifahrer namens Mike (Vincent Lacoste) an, der sie in die gewünschten Weinorte chauffieren soll, beginnend mit dem Anbaugebiet des Saint-Amour im Beaujolais.

 Auf dieser sehr speziellen Reise treffen drei Lebensalter aufeinander, die am Schluss auf wundersame Weise verschmelzen, aber bevor es soweit ist, erleben sie bizarre Situationen und treffen auf ungewöhnliche Menschen.

In Szene gesetzt hat diesen Film das französische Regie-Tandem Gustave Kervern und Benoît Delépine, die beide auch für das Drehbuch verantwortlich zeichnen. Aus ihrer Zusammenarbeit sind bereits Werke wie „Mammuth“ und „Le grand soir“ („Der Tag wird kommen“) hervorgegangen. In „Saint  Amour“ ist es ihnen gelungen, mit Depardieu und Poelvoorde zwei der großartigsten Akteure des französischsprachigen Films zusammen zu bringen, die aus einem skurrilen Roadmovie eine zutiefst anrührende Liebesgeschichte werden lassen, die noch einige Zeit nach Filmende, sozusagen im Abgang, ein angenehmes Gefühl hinterlässt. 

Es ist meisterlich, wie Gérard Depardieu, mächtig, massig, ein Berg von einem Mann, sich mit einer unendlichen Zärtlichkeit und Liebe seinem Sohn annähert und seine Liebeserklärung am Ende, unbeholfen aber bewegend, gehört zu den anrührendsten Momenten des Films.

Benoît Poelvoorde überzeugt gleichermaßen in seiner Verzweiflung und Zerrissenheit, auf der Suche nach Anerkennung und Zuwendung. Er scheut sich nicht, Einblicke in alle Höhen und Tiefen seiner Seele zu zeigen, bis er schließlich zur Ruhe kommt. 

Der Dritte im Bunde, Vincent Lacoste, ist mehr als ein schmückendes Beiwerk, auch seine Figur des Taxifahrers Mike, jung, gutaussehend, der scheinbar als Einziger heraushat, wie man mit den Frauen richtig umgeht, braucht diese Reise, um zu sich selbst zu finden und die drei Lebensalter eines Mannes abzurunden. Nur alle drei zusammen schaffen es, der Frau mit dem bezeichnenden Namen Vénus, mitreißend dargestellt von Céline Sallette, zu ihrem späten Glück zu verhelfen, ein Glück an dem schließlich alle genesen.

Hochkarätig besetzt auch die Nebenrolle, so überrascht der Schriftsteller Michel Houellebecq als verschrobener Gastwirt, der mit seiner Familie in der Garage nächtigt, um Gäste auf Weinreise in seinen Zimmern unterzubringen. Aber auch die Frauen-Rige kann sich sehen lassen mit Andréa Ferréol, Chiara Mastroianni und Ana Girardot, alle kleine Leckerbissen, um die ungewöhnliche Weindegustation abzurunden.

Ein paar der derberen Witze oder Situationen sind nicht unbedingt etwas für Feingeister, aber wer sich auf den Film einlässt, wird seinen Spaß haben. „Saint Amour“ ist kein konventionelles Einheitskino und lässt über den schnellen Genuss hinaus durchaus eine poetische Tiefe und Klarheit erkennen. Wie ein guter Wein eben...

Saint Amour – Drei gute Jahrgänge

ab 13. Oktober 2016 im Kino

Regie: Benoît Delépine, Gustave Kervern

Drehbuch: Gustave Kervern, Benoît Delépine

Musik: Sébastien Tellier

Darsteller: Gérard Depardieu, Benoît Poelvoorde, Vincent Lacoste, Céline Sallette, sowie Gustave Kervern, Michel Houellebecq, Ovidie, Andréa Ferréol, Chiara Mastroianni, Ana Girardot

Jean Dujardin war ein schlechter Schüler...

Jean Dujardin war ein schlechter Schüler…

… und liebt es, bei der Arbeit ins Schwitzen zu kommen.

Jean Dujardin ist in Frankreich ein großer Star. Hierzulande kennt man ihn vor allem durch seinen Oscar-Gewinn als bester Hauptdarsteller in dem Film „The Artist“ aus dem Jahr 2011.

Bei seinem aktuellen Projekt „Mein ziemlich kleiner Freund“ (Un homme à la hauteur) handelt es sich um das Remake eines argentinischen Films – „Corazón de Leon“ – das der Regisseur Laurent Tirard an ihn herangetragen hatte. Erzählt wird die Geschichte einer Liebesbeziehung zwischen der erfolgreichen Anwältin Diane – dargestellt von Virginie Efira – und einem charmanten Architekten (Jean Dujardin), der allerdings nur 1,36 m misst. Dieser Größenunterschied stellt die Beziehung der beiden auf eine große (!) Probe, und nicht einmal Jean Dujardin vermag zu sagen, ob es für die beiden gut ausgeht.

Zum Filmstart stand er nun in Paris den Journalisten Rede und Antwort. Er sprach über den Film, seine Rolle, aber auch über sein Verhältnis zu Hollywood. Bei dieser Gelegenheit verneinte er am Rande (aber nachdrücklich) seine Beteiligung an dem nächsten „Transformers“ Film, gestand, dass er ein schlechter Schüler war und dass er es genießt, in Frankreich zu arbeiten, aber auch mit seiner Familie dort zu leben. Er vermittelt den Eindruck eines Menschen, der durchaus um seine Popularität weiß, dabei eher vorsichtig zurückhaltend mit allzu persönlichen Bekenntnissen bleibt, aber insgesamt ein bodenständigen Mensch zu sein scheint (Dujardin, der aus dem Garten…), was sich auch daran zeigt, dass das Interview ganz unspektakulär in einem Bistro in Paris stattfand...

Hier nun Auszüge aus dem Gespräch mit ihm, das von dem Dolmetscher Jörg Taszman begleitet wurde.

Frage: Hat die Liebe zwischen Diane und Alexandre eine Zukunft, glauben Sie, dass sie stärker ist, als alle Vorurteile?

JD: Ehrlich gesagt, ich habe keine Ahnung. Was Sie gesehen haben ist ein Happy End in einem Film, ein modernes Märchen. Meine Figur nicht naiv, er kennt ja sein Problem, und ich habe wirklich keine Ahnung, wie diese Geschichte im realen Leben weitergeht. Für mich ist es eher ein offenes Ende.

Frage: Wie fühlt man sich, wenn man sich in einen nur 1,36 kleinen Mann versetzt?

JD: Genau das habe ich eben nicht getan, weil ich es nun mal einfach nicht bin. Insofern wäre es unehrlich gewesen, das zu versuchen. Ich habe ganz normal agiert, habe einen Mann dargestellt, dem es eigentlich gut geht, der immer nur lächelt, und ich habe immer nur versucht, ihn so sympathisch wie möglich darzustellen. Aber mir war immer klar, ich bin nur deshalb 1,36 m durch die Special Effects.

Frage: Wie sehr kennen Sich sich mit Hänseleien aus. Waren Sie in der Schule jemand, der gehänselt wurde, oder der vielleicht auch einmal gehänselt hat?

JD: Ich kenne ein bisschen von beidem. Das passiert aber allen irgendwann in der Schule, es ist Teil des Erwachsenwerdens von Jungen, bis man sich irgendwann gefunden hat. Bis dahin ist man manchmal der Gehänselte und manchmal hänselt man selber. Da habe durchaus konkrete Erinnerungen daran.

Frage: Weshalb wurden Sie denn gehänselt, das kann man sich ja heute gar nicht vorstellen.

JD: Weil ich einfach kein guter Schüler war, und Kinder können durchaus grausam sein. Wenn man an die Tafel geht und einfach nicht gut ist, kommt man sich wie ein Idiot vor, und dann gibt es andere Kinder, die das unglaublich spaßig finden.

Frage: Welcher Aspekt hat Sie am meisten an diesem Märchen gereizt, war es das komödiantische, dieses „Trickverkleiden“, war es die Liebesgeschichte unter schwierigen Voraussetzungen oder eben auch die Botschaft, es wäre schön, alle Menschen könnten sich ohne Vorurteile begegnen?

JD: Ich fand das ganze Projekt sehr interessant, ein sehr gutes Drehbuch, sehr gute Dialoge. Mir gefiel die Herangehensweise des Regisseurs, seine Eleganz, die Zusammenarbeit mit den Leuten, vor allem auch mit Virginie, also letztlich das Gesamtpaket. Es war aber vor allem die Gelegenheit, die besonderen Emotionen rüberzubringen, die ich beim Lesen des Drehbuchs hatte.

Frage: Was für Angebote bekommen Sie im Allgemeinen? Gibt es so etwas wie einen roten Faden?

JD: Nein, eigentlich nicht, ich mag es, immer wieder mein Image zu brechen. Manchmal allerdings merkt man, wenn man nur wegen seines Namens engagiert wird, das ist dann nicht sehr ehrlich, wenn man merkt, dass man mit der darzustellenden Person eigentlich nichts zu tun hat. Manchmal bekomme ich Angebote für etwas düstere Rolle, da sage ich auch nicht nein, wenn es eine gut geschriebene Geschichte ist. Manchmal gebe ich auch selbst den Anstoß, ich schreibe ja auch. Wichtig ist für mich, dass sich die Filme nicht gleichen, das ist mir seit zehn Jahren, glaube ich, ganz gut gelungen.

Frage: Bevorzugen sie Dramen oder Komödien?

JD: Ich mag beides. Ich mag selber nicht immer nur lachen, ich möchte mich aber auch nicht langweilen, wichtig ist, Emotionen zu zeigen.

Frage: Mit welchem Hund war es witziger zu drehen, mit Uggie in „The Artist“ oder mit dem Hund in diesem Film?

JD (lacht): Ich hatte befürchtet, es wäre schwierig, aber das ist es nicht. Das sind immer sehr talentierte und gut ausgebildete Hunde. Man versucht, sich vor dem Drehen ein bisschen aneinander zu gewöhnen, und es war sehr nett mit beiden. Allgemein liebe ich es, nicht eingeengt sondern herausgefordert zu werden, man muss auch mal ins Schwitzen kommen. Wenn das nicht passiert, ist das für mich kein gutes Zeichen, man muss sich den Erfolg auch verdienen, wenn das am Ende der Fall ist, bin ich zufrieden, denn dann hat man auch gut gearbeitet.

Frage: Bei Ihrem Talent, bei Ihrem Aussehen müssten sich Ihnen in Hollywood sämtliche Türen öffnen. Sie haben auch schon mit George Clooney gedreht, wie sieht es mit einer Karriere in Hollywood aus, sind sie daran nicht interessiert?

JD: Ich denke der immense Erfolg von „The Artist“ bei den Oscars und auch sonst, war so etwas wie ein „Unfall“, ein glücklicher Unfall für mich, dieser Stummfilm in schwarzweiß, wo ich nicht spreche und diesen Schnurbart trage und man mich kaum erkennt. Ich habe einerseits Schwierigkeiten, wie man etwas wie den besten Schauspieler oder den besten Film auszeichnen kann, im Sport geht das, aber in der Kunst? Ich weiß aber auch, dass es für einen französischen Schauspieler nicht wirklich einfach ist in Hollywood, man bekommt immer die typischen Rollen angeboten, der Franzose, der Typ mit der Baskenmütze, der Schurke. Ich bin nicht so naiv zu glauben, dass sie dort auf mich warten. Es hat auch tatsächlich nicht viele Angebote gegeben. Ich hatte drei Drehtage mit Scorsese und hatte Spaß am Set mit Clooney, aber um dort Karriere zu machen, hätte ich dorthin ziehen müssen, Lobbyarbeit leisten und Klinken putzen müssen, alles Dinge, die mich nicht unbedingt reizen

Ich fühle mich hier in Frankreich wohl, ich bekomme gute Rollen hier, kann in meiner Sprache drehen. Schließlich ist der Beruf nicht mein ganzes Leben. Ich mag meinen Beruf, ich übe ihn ab und zu aus, aber in erster Linie will ich leben, mit meiner Familie, hier in Frankreich. Natürlich schreiben sie gute Drehbücher in Hollywood, haben ein viel größeres Budget, aber es ist nicht der heilige Gral. Das, was ich in Frankreich mache reicht mir eigentlich, und ich möchte die Sachen machen, auf die ich Lust habe und ich habe, auch wenn das für Sie von außen erstaunlich wirken mag, überhaupt keine Lust auf Hollywood.

Hier bekommt man für einen Moment den Eindruck, einen wunden Punkt berührt zu haben. Es wird nicht klar, ob ihm tatsächlich nichts an einer Karriere in Hollywood liegt, wobei er sicher mit seinen Vorbehalten Recht hat, dort nur auf bestimmte Klischee-Rollen festgelegt zu werden, während er in Frankreich ohne die Sprachbarriere, die es nur ausnahmsweise in „The Artist“ nicht gab, ein viel breiteres Spektrum abdecken kann, was für einen Schauspieler immer die reizvollere Perspektive sein sollte.

Frage: Es ist ja ein romantisches Märchen, sind Sie selber realistisch? Sie wirken ja eher ein bisschen realistisch, oder sind Sie doch der romantische Typ, der an die ganz große Liebe glaubt, die alle Grenzen sprengt?

JD: Ja, ja, ja, ich mag es durchaus zu träumen, aber – mein Name ist Dujardin (klopft mit dem Fuß auf den Boden) das heißt, ich bin schon  fest mit dem Boden und der Erde verwurzelt. Wir Schauspieler lieben es, auch einmal ein anderer zu sein, die Figuren, die wir spielen sind oft viel interessanter als wir selbst, deswegen machen wir ja den Job so gerne. Und ob ich ein Romantiker bin… Doch, doch, ich bin durchaus romantisch, aber auch sehr zurückhaltend. Und ich liebe die Vorstellung von der absoluten Liebe, das rettet uns schließlich.

Frage: Sie sagten, sie fühlten sich in Frankreich ganz wohl. Wie empfinden Sie die momentane Stimmung in Bezug auf diese Terroraktionen und inwieweit sind in einer solch unsicheren Zeit Komödien wichtig, um die Menschen zu beglücken?

JD: Ich kann sehr wenig dazu sagen, das ist eine Situation ohne Präzedenzfall, so etwas hat es ja noch nicht gegeben. Man kann niemandem übel nehmen, jetzt erst mal eine Weile zu Hause zu bleiben. Dennoch hoffe ich, dass die Leute weiter ins Theater, ins Kino gehen, und das tun sie ja Gott sei Dank auch. Ich finde, es ist der Job der Politiker, etwas zu tun. Der Rechtsstaat ist wichtig, wir leben wirklich in extremen Zeiten, die Politik muss einfach die richtigen Mittel finden. Ich kenne diese Sätze, man dürfe keine Angst haben, das sind aber nur Phrasen. Ich habe sehr wohl Angst, habe auch Angst um meine Familie, aber gehe trotzdem hinaus, die Angst lähmt mich nicht, macht mich allerdings wachsam. Man muss die Leute dazu bringen, dass sie weiterleben, dass sie weiter ins Kino gehen, weiter ihr Leben leben, ihrem Beruf weiter nachgehen, so wie ich es auch tue, und – gerade jetzt – mein Land eben nicht verlasse, das wäre für mich wie desertieren. Es gibt ja Leute, die gehen aus steuerlichen Gründen, aber jetzt fände ich es feige, zu gehen. Ich mache weiter, mit meinen bescheidenen Mitteln als Künstler. 

"Mein ziemlich kleiner Freund"  - 

Ab 01.09.2016 im Kino

Interview mit Jean Dujardin in Paris

Rendez-vous mit Jean Dujardin

Vor dem Filmstart von "Mein ziemlicher kleiner Freund" stand Jean Dujardin Ende Juli in Paris für Interviews zur Verfügung. 


Auf Einladung des deutschen Verleihs Concorde durfte ich daran teilnehmen.
  
Die Gespräche fanden in sehr netter Atmosphäre in einem Bistro statt und hier: 
https://www.youtube.com/watch?v=Vxw2rW1xEiU gibt es einen Ausschnitt davon.

Film-Rezensionen: Mein ziemlich kleiner Freund (Un homme à la hauteur)

Mein ziemlich kleiner Freund (Un homme à la hauteur)

Dass die Franzosen ernste Themen unterhaltsam in eine Komödie verpacken können weiß man nicht erst seit „Ziemlich beste Freunde“. Nun startet „Mein ziemlich kleiner Freund“ (Originaltitel: „Un homme à la hauteur), ein Film, der auf leichte Art eine Liebesgeschichte unter schwierigen Umständen erzählt.

Diane (Virginie Efira) ist erfolgreiche Anwältin, die nach der Trennung von ihrem Mann die gemeinsame Kanzlei mit ihm weiterführt, wobei es aufgrund der persönlichen Spannungen zwischen den beiden immer wieder zu heftigen Auseinandersetzungen kommt. Nach einem anstrengenden Tag, kehrt sie erschöpft in ihre Wohnung zurück, als sie den Anruf eines sympathisch klingenden Mannes erhält. Er ist der Finder ihres Handys, das sie – passend zum Tag – nach einem Streit mit ihrem Ex in einem Bistro liegen gelassen hat. Alexandre – so stellt er sich vor – überredet sie zu einem Treffen, mittags, man weiß ja nicht, mit wem man es zu tun hat… Allerdings klingt seine Stimme angenehm und so geht Diane mit einem guten Gefühl zu dem Treffen, neugierig auf diesen Mann, der so charmant zu plaudern weiß.

Als er dann erscheint, weiß sie allerdings nicht, wie sie sich verhalten soll, denn Alexandre (dargestellt von Jean Dujardin) ist Architekt, kultiviert, bestens gekleidet – und misst lediglich 1,36 m. Diane hat in ihrem Verhaltenskodex offensichtlich kein Muster, das sie abrufen könnte und so lässt sie sich zögernd auf ihn ein, überrumpelt von seinem umwerfenden Charme und seiner Hartnäckigkeit. Er arrangiert für sie spannende und außergewöhnliche Treffen, bis sie mehr und mehr seine geringe Körpergröße zu vergessen scheint und in ihm nur noch den Mann sieht, der nach allen Regeln der Kunst um sie wirbt.

Dass Diane und Alexandre ein ungewöhnliches Paar sind, wird, wie zu erwarten, immer dann zum Problem, wenn sie nicht alleine sind. Es kommt zu einigen unangenehmen bis peinlichen Situationen, die beide zwar würdevoll meistern, aber es wird klar, dass sie in ihrer Beziehung mit mehr Schwierigkeiten zu kämpfen haben, als die meisten Paare üblicherweise zu bewältigen haben.

Dianes Fähigkeit, sich diesen Schwierigkeiten zu stellen wird immer wieder auf die Probe gestellt. Sie scheint sich zu fragen, was sie von einem Mann erwartet: Soll er nicht groß und stark sein, sie beschützen und buchstäblich auf Händen tragen, oder ist sie so emanzipiert, zu akzeptieren, dass seine Größe und Stärke eben auf anderem Gebiet liegen?

Es ist nicht so sehr offene Ablehnung dessen, was außerhalb der gewohnten Norm steht, mit der sie zu kämpfen haben, sondern es sind die kleinen scheinbar selbstverständlichen Dinge, die durch die Abweichung von dieser Norm nicht mehr so selbstverständlich erscheinen. Es ist eine Sache, Toleranz aus der Ferne zu üben, hautnah herangerückt wird diese immer wieder auf die Probe gestellt.

Neben diesem durchaus ernsten Anliegen des Film ist es dennoch eine Komödie, die auch vor einigen Slapstick-Momenten nicht zurückschreckt, hierfür sorgen ein großer Hund, aber auch vor allem die glänzend besetzten Nebenrollen in Gestalt von Dianes Mutter, ihrer Sekretärin und auch ihrem Ex-Mann, während Alexandres erwachsener Sohn (César Domboy), der ein wenig ziellos durch sein Leben irrt, für ein paar schöne Vater-Sohn-Momente sorgt.

Dem Film gelingt es, immer wieder anrührend zu zeigen, wie Alexandres – sicherlich hart erkämpftes – Selbstbewusstsein Risse bekommt, wenn er sich für Diane öffnet und ihr seine Verletzlichkeit zeigt, die niemand sonst zu sehen bekommt. Dies liegt vor allem an dem hervorragenden Jean Dujardin, dem George Valentin aus dem oscarprämierten Überraschungshit „The Artist“, der bereits in diesem kongenialen Stummfilm zeigen konnte, dass es nicht vieler Worte bedarf, um als Darsteller zu glänzen. Virginie Efira überzeugt ebenfalls als schöne und gleichermaßen emanzipierte Frau, die sich auf ein Abenteuer einlässt, dessen Ausgang ungewiss bleibt. Aber das trifft schließlich auf alle Liebesgeschichten zu.

„Mein ziemlich kleiner Freund“  – das Remake eines argentinischen Films „Corazón de León“ von Marcos Carnevale – startet am 01. September 2016 in den deutschen Kinos.

Regie: Laurent Tirard

Drehbuch: Laurent Tirard, Grégoire Vigneron

Kamera: Jérôme Alméras

Musik: Eric Neveux

Originalsongs: Emilie Gassin

Darsteller: Jean Dujardin, Virginie Efira, Cédric Kahn, Stéphane Papanian, César Domboy, Edmonde Franchi