Im Kino: The Last Duel

Jean de Carrouges (Matt Damon) und Jacques Le Gris (Adam Driver) kämpfen im ausgehenden 14. Jahrhundert in so mancher Schlacht für König und Vaterland, dies macht sie – zumindest in Carrouges’ Augen – zu Freunden, die füreinander einstehen. Le Gris ist jedoch im weiteren Leben immer der Erfolgreichere, der mit Leichtigkeit vieles erreicht, was dem tumben Carrouges verwehrt bleibt, so erfreut er sich zum Beispiel der nicht zu unterschätzenden Gunst des Grafen Pierre d'Alençon (Ben Affleck). Zwar wird Carrouges im Gegensatz zu Le Gris schließlich zum Ritter geschlagen und darf die wunderschöne Lady Marguerite (Jodie Comer) ehelichen, aber als eben jene Marguerite eines Tages behauptet, Le Gris habe sie vergewaltigt, werden aus den beiden Männern  erbitterte Feinde, die schließlich in einem martialischen Duell auf Leben und Tod um die Wahrheit ringen…

In mittelalterlichen Zeiten war es üblich, in einem gerichtlichen Streit, bei dem Aussage gegen Aussage stand, die Wahrheit durch ein „Gottesurteil“ feststellen zu lassen, d.h. die Kontrahenten in einem Duell auf Leben und Tod gegeneinander antreten zu lassen, an dessen Ende der Überlebende das Recht auf seiner Seite hatte. Dem Film zugrunde liegt eines der letzten Duelle, die auf diese Weise ausgefochten wurden, insofern ein historischer Fall, der so oder so ähnlich tatsächlich stattgefunden hat.

Altmeister Ridley Scott hat daraus ein wuchtiges Drama geschaffen, das er, wie es Akira Kurosawa in seinem berühmten Werk „Rashomon“ vorexerziert hat, aus den verschiedenen Perspektiven der Beteiligten erzählen lässt. Auch wenn man auf diese Weise denselben Film scheinbar drei Mal sieht, unterscheiden sich die Versionen in vielen Details, auf die es auch ankommt, und es bleibt spannend, all die kleinen Abweichungen zu erkennen, wenn man am Ende die Wahrheit erfahren will. Nun mag man Scott hierbei vorwerfen, dass er selbst sich bereits auf eine Wahrheit festgelegt hat, der Zuschauer also nur vermeintlich die Wahl hat, aber da eine vierte, womöglich neutrale Perspektive fehlt, bleibt es eine höchst subjektive Darstellung der Beteiligten.

Neben all den Ritterspielen und Kampfszenen zu Anfang dauert es eine Weile, bis sich das eigentliche Thema des Films herausschält, es geht nämlich um nichts anderes als eine mittelalterliche #MeToo-Geschichte: eine Frau beschuldigt einen Mann der Vergewaltigung, dieser streitet die Gewalt ab und beruft sich auf Einvernehmlichkeit – sie wollte es doch auch. Damit betritt Scott natürlich vermintes Gelände und kann eigentlich nur verlieren, denn recht machen wird er es inmitten der aufgeheizten Diskussionen, die um dieses Thema in den letzten Jahren geführt werden, wahrscheinlich keiner Seite.

Dass der Film dennoch großartig funktioniert, liegt an den überzeugenden Darstellern – allen voran Jodie Comer, aber auch Ben Affleck in einer launigen Nebenrolle – und der kraftvollen, kompromisslosen Inszenierung. Er ist ein Sittengemälde seiner Zeit und der ihr innewohnenden Gewalt, sowohl der physischen in den klirrenden, dampfenden Kampfszenen, als auch der psychischen, der Frauen unterworfen waren, aber, wie die Ausnutzung von Macht- und Einflussstrukturen durch Männer wie den Filmmogul Harvey Weinstein gezeigt hat, auch heute noch unterworfen sind. Früher allerdings gehörten Frauen einfach zum Eigentum ihres Mannes und waren als solches zu verteidigen, und so wird Marguerites Stellung plakativ und gleichnishaft in einer Szene vorgeführt, in der eine wertvolle Stute Carrouges von einem unerwünschten, schwarzen und wilden Hengst besprungen wird, eine Schande, die Carrouges nicht einfach hinnehmen kann.

Marguerite aber, die nun darauf besteht, nicht die Ehre ihres Mannes sondern ihre eigene zu verteidigen und dabei ihr Leben in die Waagschale wirft, sorgt damit für einen unerhörten Vorgang. Sie muss sich von allen Seiten denselben hochnotpeinlichen Fragen unterwerfen, wie sie auch heute noch gestellt werden: Hat sie ihren Vergewaltiger nicht eigentlich ermutigt, musste er deswegen nicht glauben, sie wollte es in Wirklichkeit? Hat sie sich genug gewehrt? Hat sie sich überhaupt gewehrt? Als Marguerite auch noch schwanger wird, spricht dies, sollte das Kind von Le Gris sein, gegen eine Vergewaltigung, denn eine Frau kann nur schwanger werden, wenn sie Spaß am Geschlechtsverkehr hatte – so legen sich die Männer die Welt zurecht, wie sie ihnen gefällt und genau dies führt der Film eindrucksvoll vor Augen: Es geht nicht um die Wahrheit, solange Männer bestimmen, wo es lang geht – „The truth does not matter – there is only the power of men“.

Visuell erinnert der Film oft an alte Gemälde von Schlachtenszenen und düsteren Interieurs vergangener Epochen, klanglich untermalt von einem passend opulenten Soundtrack. Ein Vergleich mit aktuellen Ereignissen ist sicher beabsichtigt und auch legitim, aber nicht notwendig, denn der Film hat die Kraft, für sich alleine zu stehen. Er braucht für die Beurteilung seiner Qualität keine Einordnung in die heutigen Verhältnisse – diese Diskussion wird bereits an anderen Stellen geführt – sondern ist eindrucksvoll und bewegend und, trotz seiner Länge und Sperrigkeit an manchen Stellen, unbedingt sehenswert.

Zum Schluss sei allerdings die Frage erlaubt, ob dieser Film eine Art Wiedergutmachung und Unterstützung der Sache der Frauen bedeuten soll, denn die Beteiligten Damon und Affleck verdanken ihre Karriere maßgeblich dem bereits benannten Harvey Weinstein, der ihr erstes gemeinsames Projekt „Good Will Hunting“ auf den Weg brachte, und beide waren mit ihm auch später noch eng verbunden. Weder Damon noch Affleck konnten im Folgenden glaubhaft bestreiten, seinen Charakter nicht gekannt und von seinen miesen Methoden nichts gewusst zu haben, aber trotz ihres späteren Einflusses in Hollywood haben beide so lange geschwiegen, bis ein paar mutige Frauen endlich bereit waren, Weinsteins Treiben ein Ende zu bereiten. Warum habt ihr solange weggesehen und geschwiegen, Matt Damon und Ben Affleck? Nur eine Frage, nicht mehr…

 

 Regie: Ridley Scott

Drehbuch: Nicole Holofcener, Ben Affleck, Matt Damon, b/a Bücher von Eric Jager

Kamera: Dariusz Wolski

Schnitt: Claire Simpson

Musik: Harry Gregson-Williams

 

Besetzung:

Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer, Ben Affleck, Harriet Walter, Alex Lawther, Adam Nagaitis

 

Walt Disney Studios/ 20th Century Studios

USA 2021

FSK 16

152 min

  

Deutscher Kinostart: 14. Oktober 2021

 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=mgygUwPJvYk (Englisch)

https://www.youtube.com/watch?v=kswm63I3WhM (Deutsch)

 

Im Kino: Saw – Spiral (Spiral: From the Book of Saw)

Mehrere Polizisten werden bestialisch ermordet und der Killer fordert die ermittelnden Detectives Ezekiel “Zeke” Banks (Chris Rock) und seinen noch unerfahrenen Partner William Schenk (Max Minghella) zu einem perfiden Spiel heraus, bei dem auch der angesehene Polizeiveteran und Vater von Zeke, Marcus Banks (Samuel L. Jackson), eine Rolle spielt.

Das erfolgreiche Horror-Franchise geht nach „Saw“-I bis VI, „Saw 3D“ und „Jigsaw“ mit diesem neuen Kapitel in die neunte Runde. US-Komiker Chris Rock, nach eigenen Angaben großer Fan der Reihe, fungiert hier als Mitproduzent und hat auch – leider – die Hauptrolle übernommen. Seine Darstellung ist mimisch und stimmlich (zumindest im Original – vielleicht hilft in diesem Fall die deutsche Synchronisation) wenig überzeugend, man nimmt ihm den harten, zynischen Cop einfach nicht ab. Ansonsten hat der Film neben den erwartbar brutalen Morddetails eine plausible Geschichte, die, wenn auch einigermaßen vorhersehbar, einen passablen Krimi abgibt und einen kleinen Überraschungsmoment am Ende bereithält.

Für „Saw“-Fans sicher ein Muss, für Krimifans vielleicht ein bisschen zu heftig (FSK: 18), aber alles in allem keine ganz schlechte Fortsetzung einer Erfolgsreihe.

 

  Regie: Darren Lynn Bousman

Drehbuch: Josh Stolberg, Pete Goldfinger

Kamera: Jordan Oram

Schnitt: Dev Singh

Musik: Charlie Clouser

 

Besetzung:

Chris Rock, Max Minghella, Samuel L. Jackson, Marisol Nichols, Richard Zeppieri, Dan Petronijewic

 

 Lionsgate/ StudioCanal Germany

FSK 18

93 min.

 Deutscher Kinostart: 16. September 2021

 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=FKSnJdaLuU8 (deutsch)

https://www.youtube.com/watch?v=rgNlWypWmtw (englisch)

Im Kino: Wer wir sind und wer wir waren (Hope Gap)

Als Jamie (Josh C’Connor) auf Einladung seines Vaters Edward (Bill Nighy) nach Hause in seinen Heimatort Seaford an der südenglischen Küste zurückkehrt, ahnt er nicht, dass Edward Hilfe dabei benötigt, der Mutter Grace (Annette Bening) mitzuteilen, dass er sich nach 29 Jahren Ehe von ihr trennen wird. Während für Edward die Entscheidung feststeht, versucht Grace zu halten, was nicht mehr zu halten ist, beide Eltern suchen dabei in Jamie einen Verbündeten, der er aber nicht sein kann, weil durch ihre Trennung auch ein Teil seines Lebens unwiderruflich beschädigt wird.

„Hope Gap“ heißt die Bucht zwischen den meerumtosten Klippen des Ortes, an dem sich dieses stille Drama abspielt, eindringlich und intensiv zeigt der Film, wie eine als selbstverständlich angesehene Gewissheit, nämlich eine glückliche und bis ans Lebensende dauernde Ehe zu führen, für die eine Partei zerstört wird, ohne dass man der anderen Partei einen Vorwurf machen könnte. Die Trennung kommt nicht wirklich überraschend, aber Edward hat den Vorteil, dass er seit langem Zeit hatte, mit der gemeinsamen Ehe endgültig abzuschließen, während Grace von jetzt auf gleich vor vollendete Tatsachen gestellt wird. Außerdem hat Edward bereits eine neue Frau an seiner Seite, während Grace buchstäblich vor dem Nichts steht und den gesamten Ablösungsprozess noch vor sich hat.

Der Sohn der Familie, der von beiden Eltern jeweils bedrängt wird, zu helfen, stellt ernüchtert fest, dass seine Eltern offensichtlich nie wirklich zueinander gepasst haben. Edward, der stoische und in sich gekehrte Part, musste sich immer Anforderungen erwehren, denen er sich nie gewachsen fühlte, während Grace, die aktivere und emotionalere von beiden nie gemerkt hat, dass ihre Vorstellungen vom Glück selten die seinen waren. Die permanenten Reibereien waren für Grace stets Zeichen einer lebendigen und vitalen Beziehung, während sie für Edward die Hölle bedeuteten, und die auf Dauer das gemeinsame Glück erodierenden Vorwürfe und Missverständnisse wurden von Grace offensichtlich ausgeblendet. Dass dann ausgerechnet der passive Partner ausbricht, kommt für die beiden anderen daher umso überraschender, auch Sohn Jamie, Zeuge der jahrelangen Kabbeleien seiner Eltern, hat deren wahre Ursache immer verdrängt und steht nun vor der Frage, wie das alles sein eigenes Leben und seine Beziehungs(un)fähigkeit geprägt hat.  

Der Film ist wie die Landschaft, in der die Geschichte angesiedelt ist, einerseits schön und idyllisch, andererseits von unberechenbaren Wellen und stürmischem Meer umspült, und Regisseur Nicholson seziert unbarmherzig ein ganzes Leben, gibt aber auch Hoffnung für einen Neubeginn unter anderen Vorzeichen. Bill Nighy und Annette Bening liefern eine sehenswerte Leistung ab, vor allem Bening, die ihrer Figur so viele Facetten verleiht, von der alles umsorgenden Mutter und Ehefrau, die leidenschaftlich ihren Interessen und Hobbys frönt, bis zur mit allen Mitteln um ihren Mann und ihre Ehe kämpfenden Furie, die sich am Ende geschlagen geben muss.

Alles in allem ein sehenswerter Film über das Ende einer Beziehung, ohne Schuldzuweisungen und falsches Pathos, in großartiger Landschaft und mit ebensolchen Darstellern, traurig und schön zugleich!

 

 Regie: William Nicholson

Drehbuch: William Nicholson

Kamera: Anna Valdez-Hanks

Schnitt: Pia Di Ciaula

Musik: Alex Heffes

 

Darstellende:

Annette Bening, Bill Nighy, Josh O’Connor

 

Origin Pictures Produktion/ Tobis Film

GB 2019

100 min.

FSK 6

 

Deutscher Kinostart: 29. Juli 2021

 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=WtOk1oLp4wM

 

 

 

Im Kino: Catweazle

Der 12-jährige Benny (Julius Weckauf) lebt mit seinem Vater (Henning Baum) im familieneigenen Tierpark, wo er eines Tages auf einen kauzigen Mann in altmodischer Tracht und Kapuze trifft. Er ahnt nicht, wen er da vor sich hat: den Magier Catweazle (Otto Waalkes), durch unglückliche Umstände aus dem Jahr 1020 geradewegs in unsere Gegenwart hinein gepurzelt. Von allen Selbstverständlichkeiten moderner Zivilisation überfordert, tapst er zusammen mit Benny und der Kröte Kühlwalda durch haarsträubende Situationen, auf der Suche nach dem bei seinem Zeitsprung verloren gegangenen Zauberstab Anawandur, mit dessen Hilfe er umgehend und rechtzeitig in seine Zeit zurückkehren muss, will er ein schlimmes Ereignis noch ungeschehen machen. Allerdings hat die fiese Kunsthändlerin Dr. Katharina Metzler (Katja Riemann) ein großes Interesse an dem Stab und setzt alles daran, in seinen Besitz zu kommen…

Den Älteren wird diese Geschichte bekannt vorkommen: In den 1970ger Jahren gab
es eine gleichnamige britische Kinderserie, entwickelt von Richard Carpenter mit dem unvergesslichen Geoffrey Bayldon in der Titelrolle, die im Laufe der Zeit einen gewissen Kultstatus erreicht hat (Stichwort: Elektriktrick... ) Nun haben der Regisseur Sven Unterwaldt und der unverwüstliche Komiker Otto Waalkes sich dieses Stoffes angenommen und ihn für heutige Generationen und die große Leinwand aufgearbeitet. Wenn auch natürlich der Charme der alten Serie heute verstaubt wirken mag und nicht mehr zeitgemäß scheint, hinterlässt das Ergebnis der modernen Kinoadaption zwiespältige Gefühle.

Bei dem Bemühen, einen familientauglichen Film für Jung und Alt zu präsentieren, ist eine reichlich konventionell erzähle Geschichte mit vorhersehbaren Gags und einigen Slapstickeinlagen herausgekommen. Der Magier muss zurück ins Mittelalter und hat dafür nur drei Tage Zeit, eine böse Frau auf der Jagd nach Geld und Ruhm macht ihm den Zauberstab Anawandur streitig, wird dabei von cleveren Kindern ausgetrickst, alles nett anzusehen, aber auch wenig originell, und der aus der Zeit Gefallene 1000-jährige Magier mit Kröte ist kein tragikomischer Don Quijote mehr im Kampf gegen die Normannen, sondern verkommt zu einem liebenswerten Trottel, was nicht nur an der piefigen Inszenierung, sondern leider auch an dem Hauptdarsteller liegt.

Rein optisch macht Otto Waalkes durchaus eine gute Figur und solange er in seiner Rolle bleibt, ist alles in Ordnung. Aber die Macher des Films waren, wie sie selber sagen, der Meinung, wo „Otto“ drauf steht, muss auf jeden Fall auch „Otto“ drin sein, und so poppt immer dann, wenn der Darsteller Waalkes sich gerade von sich selbst befreit hat und seinem Catweazle einen ernsthaft-komischen und vor allem echten Moment gönnt, der bis zum Überdruss bekannte Otto auf, und das trübt die Freude am Film, sehr schade. Vielleicht hätte ein anderer Schauspieler, ein Nicht-Otto, hier besser gepasst, jemand, der witzig, aber auch tragikomisch kann, ganz spontan kommt da Bjarne Mädel in den Sinn...

Die übrigen Darsteller sind solide und machen das, was sie können in bewährter Weise. Julius Weckauf überzeugt als kleiner Außenseiter mit Herz und Verstand, Katja Riemann gibt das Biest, und wenn alles schief zu gehen droht, ist Henning Baum mit ruhiger und starker Hand zur Stelle.

Alles in allem nette Unterhaltung, zumindest für diejenigen, die die alte TV-Geschichte nicht kennen, bei einem Film, der niemandem weh tut und hoffentlich wieder einmal die ganze Familie ins Kino locken wird!

 

 Regie: Sven Unterwaldt

Drehbuch: Otto Waalkes, Bernd Eilert, Claudius Pläging, Sven Unterwaldt

Kamera: Bernhard Jasper

Schnitt: Zaz Montana

Musik: Philipp Noll

 

Darsteller:

Otto Waalkes, Julius Weckauf, Katja Riemann, Henning Baum, Gloria Terzic, Milan Peschel

 

 Tobis Film GmbH

D 2021

FSK 0

90 min.

 Bildmaterial: © TOBIS Film GmbH

 

Deutscher Kinostart: 01 Juli 2021

 

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=rZHXih2J2g8

 

Im Kino: Conjuring 3: Im Bann des Teufels (The Conjuring: The Devil Made Me Do It)

Das Ermittlerpaar zum Aufspüren – und im besten Fall auch Beseitigen – paranormaler Phänomene, Ed und Lorraine Warren (Vera Fermiga, Patrick Wilson), hilft diesmal im Kampf um die Seele eines kleinen Jungen, nicht ahnend, dass sich hieraus ihr schwierigster Fall entwickeln wird. Am Ende geht es um einen Aufsehen erregenden Mord, der im Zustand der Besessenheit verübt worden sein soll, und dabei geraten die Warrens selbst an ihre Grenzen und in allerhöchste Gefahr.

„Conjuring 3: Im Bann des Teufels“ ist der siebte Film im „Conjuring“-Universum, dem größten Horror-Franchise, zu dem die ersten beiden „Conjuring“-Teile, die drei „Annabelle“-Filme und „The Nun“ gehören.

Hier nun ist Grundlage der Handlung ein 1981 in Brookfield, Connecticut geschehenes Verbrechen, als ein junger Mannes namens Arne Cheyenne Johnson seinen Vermieter brutal tötete und sich in dem anschließenden Gerichtsverfahren darauf berief, von einem Dämon besessen zu sein. Die echten Warrens, ein Ehepaar, das sich tatsächlich der Aufklärung paranormaler Phänomene widmete und in einigen Fällen mit Elaine Warrens hellseherischen Fähigkeiten der Polizei zur Seite stand, wurden hinzugezogen, um einen Präzedenzfall zu schaffen, den es so in der Justizgeschichte der USA noch nicht gegeben hatte. Der Film hat den Anspruch, ein wahre Geschichte zu erzählen, und den Mord samt Gerichtsverfahren unter großem Medieninteresse hat es ja auch tatsächlich gegeben. Aber das Hauptaugenmerk liegt natürlich nicht auf den juristischen Feinheiten, sondern auf den schaurigen Effekten und dem Grusel, den verwunschene Häuser, besessen Kinder, Dämonen, ein alter Fluch und ein Pakt mit dem Leibhaftigen hervorrufen. Dies macht der Film solide und gut, wer sich darauf einlässt, wird bestens unterhalten und bei allem Horror bieten die Warrens in ihrer Liebe und ihrem Respekt füreinander immer wieder eine Projektionsfläche, um den ewigen Kampf des Guten gegen das immerwährende Böse unterhaltsam abzubilden.

 

 

Regie: Michael Chavez

Drehbuch: David Leslie Johnson-McGoldrick

Kamera: Michael Burgess

Schnitt: Peter Gvozdas, Christian Wagner

Musik: Joseph Bishara

 

Darsteller:

Vera Fermiga, Patrick Wilson, Ruairi O’Connor, Sarah Catherine Hook, Julian Hilliard

 

Warner Bros. Pictures Germany

USA

112 min.

FSK 16

 

Deutscher Kinostart: 01. Juli 2021

 

 Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=LV8mCGMAv18

 

 

 

Film-Rezensionen: Emma (Emma.)

England, Anfang des 19. Jahrhunderts: Emma Woodhouse (Anya Taylor-Joy) gehört zur High Society im ländlichen Highbury nahe London. Sie ist jung, hübsch und eingebildet, und es macht ihr Spaß andere miteinander zu verkuppeln, während ihr für sich selbst, wählerisch wie sie ist, kein Kandidat gut genug zu sein scheint. 

Ihre Wahl für Freundin Harriet (Mia Goth) macht diese zunächst nur unglücklich und hierfür muss sich Emma von George Knightley (Johnny Flynn), einem Freund der Familie, auch gehörig den Kopf waschen lassen. Aber es dauert ziemlich lange, bis Emma mehr in ihm sieht als einen krittelnden Spötter.

In dieser neuen Verfilmung des Jane-Austen-Romans darf Anya Taylor-Joy ihrer Emma etwas mehr Schärfe geben als zuletzt Gwyneth Paltrow in der 1996-ger Version, und dies hat dem Film nicht geschadet. Es bleibt zwar ein Gesellschafts- und Sittengemälde aus längst vergangenen Tagen, aber das Zeitlose des Beziehungenknüpfens wird in opulenten Bildern, die wahrhaftig an Gemälde alter Meister erinnern, auch für den heutigen Zuschauer sehenswert aufbereitet. Die Figuren bewegen sich im Rhythmus ihrer Zeit, wer sich darauf einlässt, erfährt eine wunderbare Entschleunigung. 

Den leicht ironischen Unterton Jane Austens, die ihre Figuren, dabei vor allem die Frauen, trotz allem ernst nimmt, schwingt ebenso mit, wie die Überzeichnung einiger männlicher Protagonisten, die nicht immer gut wegkommen, wie der schmierige Pfaffe Mr. Elton (Josh O’Connor), ein Ausbund an Bigotterie, oder Emmas Vater, der sanfte Mr. Woodhouse (hervorragend interpretiert von Bill Nighy), bei dem nicht immer klar wird, ob er alles durchschaut, was seine Tochter so treibt. 

Wer sich für zwei Stunden in vergangenen opulenten Bildern mit wunderschönen optischen Arrangements und geschnörkelten Dialogen verlieren und dabei den Geist Jane Austens spüren möchte, der ist bei diesem Film bestens aufgehoben. Wem dies nicht liegt, dem wird der Lauf der Jahreszeiten, über die sich die Handlung erstreckt, lang werden.

 

Regie: Autumn de Wilde

Drehbuch: Eleanor Catton, b/a Roman von Jane Austen

Kamera: Christopher Blauvelt

Schnitt: Nick Emerson

Musik: David Schweitzer, Isobel Waller-Bridge

Darsteller:

Anya Taylor-Joy, Johnny Flynn, Bill Nighy, Mia Goth, Myra McFadyen, Josh O’Connor, Callum Turner, Rupert Graves, Miranda Hart

Working Title Pictures/ Universal International Pictures (UPI)

125 min.

FSK 0

Deutscher Kinostart: 05. März 2020

Film-Rezensionen: Countdown

Eine App, die die Stunde unseres Todes voraussagt… Teenager Courtney (Elizabeth Lail) und ihre Freunde können nicht widerstehen, sich diese umgehend auf ihr Handy zu laden. Alle mit einer beruhigenden jahrzehntelangen Lebensspanne vor sich sind geneigt, das Ganze als Spaß abzutun. Bei denen allerdings, die angeblich nur noch wenige Tage oder gar Stunden zu leben haben, macht sich schnell eine gewisse Unruhe breit, die in Panik übergeht, als die ersten Opfer exakt zum vorhergesagten Zeitpunkt zu beklagen sind. Courtney und Leidensgenosse Matt (Jordan Calloway) machen sich daran, dem Geheimnis der teuflischen App auf die Spur zu kommen, um den mörderischen Fluch zu brechen, der anscheinend dahintersteckt…

Was wie ein originelle Idee für einen Horrorfilm klingt, wird leider nicht entsprechend umgesetzt. Einiges entwickelt sich allzu vorhersehbar, dafür ist anderes sehr konstruiert und steuert auf ein ziemlich unbefriedigendes Ende zu, bei dem das Rätsel einigermaßen plausibel aufgelöst werden soll (nicht gelungen) und andererseits offensichtlich die Weichen für eine Fortsetzung gestellt werden (nicht zu empfehlen).

Ein modernes Horrormärchen über die Macht des Internets und seine allgegenwärtigen Apps für jede Lebenslage hätte einen anderen Ansatz gebraucht, übersinnliche Kräfte als atavistische Bedrohung dagegen funktionieren auf anderen Ebenen, die hier vorgenommene Überlappung funktioniert nicht und bleibt unausgegoren. Ein paar milde Schockelemente reichen nicht, um einen Horrorfilm gelingen zu lassen, und ein Ende zu konstruieren, das alle Optionen offen halten muss, ist schändlich.

Regie: Justin Dec

Drehbuch: Justin Dec

Kamera: Maxime Alexandre

Musik: Danny Bensi, Saunder Jurriaans

Darsteller:

Elizabeth Lail, Jordan Calloway, Talitha Bateman, Peter Facinelli, Dillon Lane, Tom Segura

 

Universum Film (UFA)

FSK 16

90 min. 
Deutscher Kinostart: 30. Januar 2020

Film-Rezensionen: Once upon a time in Hollywood (Once upon a time ... in Hollywood)

Quentin Tarantino macht einen Film über Leben (und Sterben) in Hollywood, seit Monaten wird darüber spekuliert, die Erwartung immer weiter hinauf geschraubt, immense Vorschusslorbeeren ausgeschüttet, allein wegen des spektakulären Casts – und nun das... Wo beginnen? 

Hollywood stand und steht für Glanz und Glamour, aber auch für Verkommenheit und Dekadenz, sexuelle Ausschweifungen, Laster und Leidenschaft, das große Geschäft, die Studios, die mit ihren künstlichen Träumen und mit Hilfe ihrer Protagonisten Millionen scheffeln, dem schnellen Ruhm folgen oft Absturz und Vergessen. Hier unterscheiden sich die 1960ger Jahre nicht von den Dekaden davor oder danach.

Dafür war es ein Jahrzehnt der gesellschaftlichen Umbrüche, die aus Jubiläumsgründen zur Zeit ohnehin in aller Munde sind. Ermordung eines amerikanischen Präsidenten, Bürgerrechtsbewegung, Vietnamkrieg, sexuelle Revolution, Mondlandung, Hippies, Love & Peace, Flowerpower, der Summer of Love, Ermordung weiterer Ikonen aus Politik und Showbiz, alles Stichworte, alles Ereignisse, die bis heute nachwirken. 

Was für ein Stoff für einen Regisseur wie Tarantino, das alles zusammenzufügen, als Höhepunkt die grausame Ermordung der wunderschönen Sharon Tate durch eine durchgeknallte Hippie-Clique, angestiftet von einem charismatischen Sektenführer, der eigentlich nichts anderes wollte, als Musiker zu werden.

Aber so einen Film wollte Tarantino gar nicht machen.

In seinem Werk zeigt er einen TV-Star (ja, es geht in erste Linie gar nicht um die Film- sondern um die Fernsehindustrie) namens Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), der sich im freien Fall nach unten befindet und kurz davor ist, sich in europäischen Spaghetti-Western zu verdingen, und sein ehemaliges Stunt-Double Cliff Booth (Brad Pitt), der auch schon bessere Tage gesehen hat und zur Zeit als Chauffeur und Mädchen für alles tätig ist. Zufällig befindet sich Daltons Villa im Cielo Drive in Los Angeles, nebenan sind vor kurzem neue Mieter eingezogen, der gerade sehr erfolgreiche Regisseur Roman Polanski mit seiner wunderschönen Frau Sharon Tate.

Diese Konstellation ist die Ausgangslage für eine endlos lange Aneinanderreihung von Szenen und den Aufmarsch von immer neuen Figuren, ganze Sequenzen aus Daltons Western- und Kriegsfilmen werden ausgebreitet, ohne die Handlung nach vorne zu treiben, dabei ist das spezielle Flair und Feeling der Zeit zwar in jeder Einstellung sichtbar – Hollywoodkulisse eben –  aber fühlbar ist es in keinem einzigen Moment. Die Verkommenheit und Scheinheiligkeit Hollywoods wird zwar angedeutet, vor allem das Hauen und Stechen der Stars um die besten Rollen, die sexuellen Ausschweifungen, die daraus resultierende Gewalt und Ausbeutung, die seit den ersten Tagen der Filmindustrie praktiziert wurden und ihren vorläufigen Höhepunkt in der Weinstein-Affaire gefunden hat, existiert in Tarantinos Film dagegen nicht. Stattdessen fragt Cliff Booth ein ihn lasziv anschmachtendes Hippiemädchen tatsächlich nach deren Ausweis, hier hätte man von Tarantino mehr erwartet, aber wahrscheinlich war das zuviel verlangt von jemandem, der ein enger Freund Weinsteins war, der seine – Tarantinos Filme – seit „Pulp Fiction“ mit all seiner Macht (und davon hatte er immens viel) gefördert hat.

Wenn die Hippies diejenigen sind, die sich an der Gesellschaft und vor allem an Hollywood dafür rächen wollten, dass sie ihnen die Gewalt gebracht hat, so ist Tarantino einer derjenigen, der die Gewalt in seinen Filmen ausgiebig zelebriert hat, möchte er sich mit diesem Film selbst anklagen? Auch dafür, dass er sich, wie alle anderen, der angesagtesten Hollywoodgrößen in Gestalt von DiCaprio und Pitt bedient, beides Namen, die für sich gesehen schon die Kassen zum Klingeln bringen und die von allen namhaften Regisseuren mit Rollen nur so überschüttet werden?

DiCaprio darf sich ausgiebig im Overacting suhlen, als Rick Dalton innerhalb seiner Rollen eine ironische Brechung, außerhalb dieser Rollen wird die Schmerzgrenze einige Male deutliche überschritten, während Brad Pitt den Obercoolen geben darf, was bei ihm allerdings tatsächlich cool und selbstironisch ist. Ein hübscher, aufstrebender Star wie Margot Robbie bekommt die Chance, auch einmal in einem Tarantino-Film dabei sein zu dürfen, auch wenn sie nicht wirklich mehr zu tun hat, als in die Kamera zu lächeln, während im Kopf des Zuschauers das Wissen um ihr schreckliches Ende immer mitschwingt.

Während sich die 160 Minuten Laufzeit über weite Strecken beinahe quälend und dröge dahinziehen, sehnt man dieses Ende förmlich wie eine Erlösung herbei, und erst auf der Zielgeraden, wenn der – zugegebenermaßen – fulminante Höhepunkt eingeleitet wird, über dessen Einzelheiten hier natürlich nichts verraten wird, bekommt der Film endlich den Drive, der ihm leider die meiste Zeit über gefehlt hat.

Tarantino hat es auf jeden Fall einmal mehr geschafft, für sich und sein Werk maximale Aufmerksamkeit zu generieren. Ob der Gang ins Kino lohnt, mag jeder für sich entscheiden, für seine Fans sicher keine Frage, für alle anderen – Vorsicht, kein Spoiler: Das Ende überrascht!

Regie: Quentin Tarantino

Drehbuch: Quentin Tarantino

Kamera: Robert Richardson

Schnitt: Fred Raskin

Musik: Holly Adams (Soundtrack Producer)

Darsteller:

Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Emile Hirsch, Margaret Qualley, Timothy Olyphant, Julia Butters, Austin Butler, Dakota Fanning, Bruce Dern, Mike Moh, Luke Perry, Damian Lewis, Al Pacino, Lena Dunham, Scoot McNairy, Rumer Willis, Clu Gulager, Kurt Russell, Michael Madsen, Brenda Vaccaro, Damon Herriman

Sony Pictures

161 min.

Deutscher Kinostart: 15. August 2019

Film-Rezensionen: Alita - Battle Angel

In einer fernen Zukunft findet ein Cyber-Doktor namens Ido (Cristoph Waltz) auf einem Schrottplatz der Stadt Iron City die Reste eines halb zerstörten weiblichen Cyborgs. Er gibt ihr einen neuen Körper und nennt sie „Alita" nach seiner verstorbenen Tochter. Alita (Rosa Salazar) erinnert sich nicht, wer sie ist oder wo sie ursprünglich herkommt, aber auf ihren Streifzügen durch die dystopische Stadt Iron City, in der Menschen, Cyborgs und abenteuerliche Mischwesen ums Überleben kämpfen, lernt sie schnell, dass sie für ein paar mächtige Leute offensichtlich eine Gefahr darstellt, die versuchen, sie zu eliminieren, allen voran der korrupte Vector (Mahershala Ali).

Ein neuer Freund, der smarte Hugo (Keenan Johnson), bietet sich als Helfer an, ist aber selbst zu sehr in dunkle Machenschaften verstrickt und auch ihr Ziehvater Ido scheint nicht das zu sein, was er vorgibt. Alita kommt nach einigen Kämpfen gegen andere Cyborgs, vor allem die berüchtigten Hunter-Warrior, allmählich ihrer Vergangenheit immer näher, bis sie sich schließlich als hochgerüstete Kampfmaschine offenbart, die den Menschen in Iron City gegen die bösen Mächte von Zalem – einer geheimnisvollen, hoch über Iron City schwebenden Stadt – helfen kann.

Der Film ist ein von Robert Rodriguez beherzt in Szene gesetztes Actionspektakel, bei dem es im Unterton wieder einmal um die tiefen Fragen des Lebens geht: wer bin ich, woher komme ich und was ist meine Bestimmung? Dies ist auch für actionlastige Filme nicht neu, entscheidend ist am Ende die Umsetzung. Technisch eine gelungene Mischung in 3D aus Motion-Capture und CGI im Zusammenspiel mit echten Schauspielern, ist die Story des Films, die auf einer Manga-Comicromanserie von Yukito Kishiro beruht, eher konventionell. Die Charaktere treten, wie es sich gehört, als gute und böse und im Fall von Hugo auf etwas dazwischen auf, die meisten ihrer Dialoge sind wenig originell. Die Handlung setzt sich aus zahlreichen Versatzstücken zusammen, es gibt ein Motorball-Kampfspiel, das sehr an die guten alte Rollerball-Spiele erinnert, und ein Panoptikum aus bizarren Menschmaschinenwesen, wie sie gern für eine ferne Zukunft eingesetzt werden.

 Alita hat, wie viele Actionhelden, ein Vergangenheitsproblem mit Erinnerungsdefizit und schaut auf die chaotische Welt, in der sie gelandet ist, mit den mangatypischen großen Kinderaugen. Selbstverständlich braucht es für solch ein verlorenes Wesen eine Liebesgeschichte, einen jugendlichen Helden, der sich in Alita, den Cyborg verliebt - auch wenn Hugo sich nicht als ganz so rein entpuppt -  und einen bösen Antagonisten, der diesmal in doppelbödiger Gestalt aus dem Hintergrund bzw. buchstäblich von oben die Fäden zieht. Christoph Waltz gibt sich als Dr. Ido väterlich und wirkt manchmal ein bisschen verloren, zu kämpfen hat er in der deutschen Fassung jedenfalls manchmal damit, seine deutschen Sätze einigermaßen synchron einzusprechen. Ach ja, und wer es sich zutraut, mag im Film nach dem nicht im Abspann genannten Edward Norton suchen…

Unterhaltsam ist der Film für jeden, der bunte Action und die Cyborgwelt liebt, inwieweit Fans der Mangareihe sich für diese Umsetzung des Stoffes begeistern werden, kann mangels Kenntnis der Vorlage nicht beurteilt werden. Wer allerdings ein Kammerspiel mit geschliffenen Dialogen erwartet, ist definitiv falsch im Kinosaal.

Regisseur: Robert Rodriguez

Drehbuch: James Cameron, Laeta Kalogridis und Robert Rodriguez

Kamera: Bill Pope

Schnitt: Stephen E. Rivkin, Ian Silverstein

Musik: Tom Holkenborg, Junkie XL

Basierend auf dem Graphic Novel "Gunnm" von Yukito Kishiro

Produziert von: James Cameron und Jon Landau

Darsteller:

Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Mahershala Ali,

Ed Skrein, Jackie Earle Haley, Keean Johnson, Jeff Fahey

Twentieth Century Fox

122 min.
FSK 12

Deutscher Kinostart: 14. Februar 2019

Copyright Bilder + Clip: 20th Century Fox